Il cinema anarchico e visionario di Rob Zombie: Le streghe di Salem

Il male vi sazierà, vi circonderà e vi annienterà...

Il cinema anarchico e visionario trova uno sfogo scatenato in una mente geniale che sintetizza uno stile di età contemporanea a metà strada tra Dario Argento, Stanley Kubrick e Henry Kenneth Alfred Russell. Stiamo parlando di Rob Zombie, il regista del film Le streghe di Salem.

Tim Burton, uno sguardo d'insieme

Quante volte parlando di chi è diverso ci riferiamo ad emarginati e stranieri e quante volte non sappiamo osservare con occhi critici la nostra realtà che, spesso, ci esclude e ci allontana da noi stessi? E se si ama l’inconscio anche un po’ macabro, nero e austero di ogni essere umano non si può non amare il suo più grande rappresentante nel campo cinematografico: Tim Burton.
Leggendo molti testi tratti dalla bibliografia a lui associata sia di critica che di descrizione stilistica non si può non notare come egli in tutte le sue geniali ispirazioni Burton metta se stesso, le sue paure, le sua anzie, il suo intero essere. Johnny Depp (il suo attore più rappresentativo e amato) descrive così il suo primo incontro con l’acutissimo regista: “All’appuntamento ad attendermi c’ era un uomo pallido, dagli occhi tristi e dall’ aria fragile, con una capigliatura che non era solo il risultato di una lotta con cuscino, la notte prima…Durante questo incontro avevamo provato reciproco rispetto che si prova per una persona che senti non essere estranea. Ero sicuro che avremmo potuto lavorare insieme e che sarei riuscito a incarnare la sua idea artistica di Edward, se me ne avesse dato la possibilità. E così fu..ero stato insomma salvato da morte certa, dal mondo televisivo della produzione di massa, grazie a un giovane brillante ed eccentrico che aveva passato l’ adolescenza a fare strani disegni, a sbattere la testa contro il muro a Burbank, a sentirsi pure lui strano ed emarginato (ma questo l’avrei scoperto più tardi). E’ riduttivo definirlo un regista. Il nome più impegnativo di “genio” gli si adatta meglio.”
Da ciò che afferma si può cogliere tutta la bizzarria di Tim e il suo rapporto con la vita. L’idea che Depp ha di lui ci riconduce all’ideologia romantica post.moderna che ne fa un soggettivista e un caricaturista. La sua passione per disegni e forme stravaganti (evidenti nei sui film d’animazione) diventano l’espressione di un mal di vivere, di un isolamento interiore, di una innata controtendenza retorica.

Il Tim Burton che giocava da piccolo nei cimiteri è quell’ispiratore dissacrante, è Jack Skeletron di Nightmare Before Christmas (1993), è lo sguardo discriminato del pinguino di Batman o il diabolico barbiere di Fleet Street. In conclusione si segnala tutta la sua filmografia: essa non è affatto commerciale, come sembra, ma rappresenta una nicchia precisa, un isola felice per non tutti i cineasti e per non tutti gli spettatori che molto spesso escono dalle sale interrogandosi sul senso delle sue pellicole. Esse, nonostante siano se non sempre perfette quantomeno geniali, non possono esser viste solo con gli occhi, hanno bisogno di un'amore per l’onirico e un’attenzione non superficiale per la realtà nera e macabra della solitudine e del distacco.

Tim Burton: la fatata malinconia della fiaba gotica

Da quando nel 1895 i fratelli Lumière inventarono il cinematografo, la letteratura ha ripetutamente rappresentato un’eccezionale fonte di ispirazione per la cinematografia. Questi due codici espressivi, nella loro concezione romantica ed espressionista di mondi fantastici e universi tangenti, rappresentano, grazie a due autori come E.A. Poe e Tim Burton la testimonianza più diretta di come nell’arte sia fondamentale l’occhio, l’intelletto, la personalità e il cuore dell’autore, di come insomma la soggettività e l’interiorità appartengano alla sfera creativa.
Le fiabe, in particolar modo quelle gotiche, sono per definizione lo spazio dell’immaginario, della fantasia che si esercita attraverso una breve narrazione in cui sono coinvolti “tipi” e situazioni facilmente riconoscibili. Esse sono le espressioni di un interiorità, sono il bene e il male delle nostre personalità. L’idea positivista che svela l’ambizione ottocentesca di manipolare attraverso la scienza la psiche umana nel folle tentativo di dividere concretamente il bene dal male non ha fornito, per fortuna, risposta al grande mistero dell’intelligenza e della soggettività umana.
Ma cosa sarebbe stato della letteratura, ma più in generale di ogni forma creativa, se il conflitto tra rettitudine, convenzione e immoralità fosse stato risolto? Ritengo che soltanto questa continua tensione possa realmente stimolare la creazione e la fascinazione di capolavori quali: Moby Dick, Lo strano caso del dottor Jekyll e mister Hyde, Il ritratto di Dorian Gray, Storia di Arthur Gordon Pym, I delitti della rue Morgue o La maschera della morte Rossa e altre. Ciò che più affascina in questo tipo di letteratura è certamente la dualità dell’uomo: la parte “accettata” e presentabile, quella che si vuole della ragione, perfettamente inserita in una società borghese, conformista e stereotipata, che codifica i comportamenti e rifiuta le diversità e dall’altra la componente oscura, legata più all’istinto,alla natura, parte che, per convenzione, dovrà esser nascosta pena l’emarginazione, la solitudine, la frustrazione.
Ma chi più di tutti incarna oggi questi ideali e ha il coraggio di denunciarli attraverso la sua creatività? Partendo da Tim Burton dunque non si può non tenere conto del tema più caldo al regista di Burbank: i racconti di emarginazione. Storie di personaggi profondamente segnati dalla loro diversità fisica e psicologica rispetto ai modelli veicolati dalla società dell’etichetta e delle convenzioni: si pensi tanto per fare due esempi a Edward mani di forbice e a Oswald, il pinguino, in Batman-il ritorno. Ora da quale fonte letteraria Burton può aver attinto oltre che dalla propria esperienza onirica per descrivere cinematograficamente le sue storie? Tre autori possano averlo influenzato: Edgar Allan Poe, Washington Irving e in una componente minore ma senza dubbio rilevante Lewis Carroll.

Sono certamente i primi due, attraverso le loro ispirazioni alla cultura gotica, il baluardo creativo del regista. Prima di lui ci hanno condotto in mondi ultraterreni, in mondi “altri” dove norme e regole, laddove presenti, possono essere diametralmente opposte a quelle del mondo reale; mondi che aprono spazi di libertà inimmaginabili e impossibili in un mondo “normato” dalla classe dominante. In Edgar Allan Poe, in Carroll e in Washington Irving si apprezzano l’abilità narrativa, l’intensa suggestione emotiva, la penetrante indagine nel mondo del mistero e l’acuta analisi psicologica dei comportamenti umani. Burton riproduce, aggiornandola e personalizzandola, l’atmosfera “gotica” a partire dalle architetture fatte di volte ogivali, di archi rampanti esterni, con predominio delle linee verticali (si pensi alle scenografie di “suoi” Batman). E’ presente inoltre un particolare slancio verso l’alto con prevalenza di un cromatismo tendente al nero.

Il colore dell’indistinto, che insieme ai grigi rende fumosa l’atmosfera, non facilmente definibile, quasi a voler dipingere e analizzare il mondo trasformandolo nella oscura realtà dell’animo umano.
La passione giovanile per il disegno e l’esperienza maturata alla Disney a partire dal 1979 hanno facilitato l’approccio di Burton con l’animazione filmica: spesso il regista ha utilizzato suoi disegni, poi vivificati con la tecnica della Stop-Motion, per raccontare i temi a lui cari, quasi a voler togliere una precisa identità fisica ai personaggi, dalle caratteristiche spesso caricaturali. Burton ha mascherato ogni suo protagonista come a voler sottolineare che l’inconscio e l’animo umano non hanno volto ma sono espressione soggettiva di chi guarda: è una presa di consapevolezza dell’immagine metaforica costruita da milioni di individui stereotipati e convenzionali che essa rappresenta in una vera e propria figura oscura, l’apparenza, specchio del conformismo sociale utile/fondamentale per poter essere accettati.
Questi autori si sono cimentati nella ricostruzione o re-immaginazione dei loro mondi e il regista americano, oggi, ne ha compiuto una transcodificazione: un passaggio da un codice narrativo ad un altro. Questa è un operazione che Burton ha condotto in modo molto delicato: essa richiede una sensibilità estrema e una conoscenza totale dei due mezzi espressivi che prima devono convergere, poi mettersi a confronto e trasformare infine l’espressività testuale in espressività diegetica.

Ci si chiede il perché di una trasposizione consapevole di temi, di stili, di tecniche. Ciò che importa, in ultima analisi, è però quello che da essi penetra nelle nostre coscienze: forse la percezione di un’eternità che vibra nel “riconoscere” un colloquio nascosto degli artisti nel corso dei secoli. Questo viaggio “fantastico” intrapreso da Burton ci suggerisce come inserirci in una processione che va verso un’improbabile paradiso, conducendoci nei labirinti più oscuri della nostra mente, in un’altra dimensione fatta di idee, di inconscio, di oscurità e di diversità intellettuale e fisica.
Il dialogo ideale delle esperienze, il cogliere una parvenza di continuità nel riconoscimento di “somiglianze” tra scrittori e cineasti, anche lontani nel tempo, scoprirne i nessi logici che li accomunano, è un processo comparativo che tenta di colmare il nostro vuoto interiore e che ci fa prendere consapevolezza che il concetto di verità assoluta non esiste, essa è sempre legata ad un punto di vista che ne determina la natura.